C’è un momento, all’interno di un’opera shonen (manga o adattamento anime che sia) in cui lo spettatore smette di guardare lo schermo e inizia a viverla, a sentirsi parte di quel mondo e di quei personaggi. Negli ultimi tempi mi era accaduto solo con il finale di My Hero Academia e lo scontro tra Deku, Tomura Shigaraki e All For One.

All’interno dell’epopea di Bleach, che non nascondo essere uno degli shonen a cui sono più legato, era successo diverse volte di rimanere coinvolto in maniera viscerale, ma non credevo potesse ricapitarmi all’interno della battaglia finale contro i Quincy di Yhwach, saga che non mi aveva davvero preso all’interno del manga. E invece è capitato ancora.

Con Bleach: Thousand-Year Blood War – The Calamity, l’ultimo capitolo dell’adattamento animato firmato Pierrot Films, quel momento di pieno coinvolgimento ha un nome e un numero preciso: episodio 45, “Defend You“. Ma per arrivarci bisogna fare qualche passo indietro.

Bleach: Thousand-Year Blood War – Un’attesa durata anni

Chi segue Bleach da tempo sa cosa significhi l’attesa. L’anime originale si era interrotto nel 2012 lasciando la Guerra dei Mille Anni, l’arco narrativo conclusivo del manga di Tite Kubo, completamente inedita sullo schermo. Un’assenza durata dieci anni, colmata solo nel 2022 con l’annuncio e il debutto di Thousand Year Blood War, il progetto che avrebbe finalmente portato in animazione lo scontro tra la Soul Society e Yhwach, il sovrano dei Quincy tornato dalla morte per cancellare gli Shinigami dall’esistenza.

Da allora la serie è stata divisa in quattro parti:

• Parte 1 (The Blood Warfare): uscita a ottobre 2022 con i primi 13 episodi.
• Parte 2 (The Separation): uscita a luglio 2023 con gli episodi dal 14 al 26.
• Parte 3 (The Conflict): uscita a ottobre 2024 e comprende gli episodi dal 27 al 40.
• Parte 4 (The Calamity): la quarta e ultima parte, attualmente in corso, che conclude l’arco.

In streaming dal 25 luglio 2026 su Disney+, l’ultimo capitolo, The Calamity, non lascia dubbi sul tono degli episodi finali: qui non si tratta più solo di vincere una guerra, ma di sopravvivere a un cataclisma che sta ridefinendo LETTERALMENTE, pagina dopo pagina, tutto ciò che i lettori del manga credevano di sapere sul finale della storia.

Non solo Bankai: l’animazione diventa il vero protagonista

Va detto subito, senza troppi giri di parole: il livello tecnico di questo ultimo cour è qualcosa che raramente si vede in un prodotto seriale settimanale. Sotto la supervisione generale di Tomohisa Taguchi e la regia di Hikaru Murata, Pierrot Films ha alzato costantemente l’asticella episodio dopo episodio, portando sullo schermo sequenze di combattimento che sembrano uscite da un film piuttosto che da una puntata televisiva.

Ma il merito non è solo tecnico, bensì una questione di cura, di scelte di regia, di un uso della luce e del colore che trasforma ogni scontro in qualcosa di quasi pittorico: il rosso del sangue che si mescola al Reiatsu dorato di Yhwach, il blu gelido dei Bankai della Soul Society, le architetture del Wahrwelt che sembrano respirare insieme ai personaggi.

Non stupisce che da mesi la community internazionale definisca questo tratto finale come uno dei picchi qualitativi assoluti dell’intero franchise, anche da parte di chi ha storto il naso davanti ad alcune delle scelte narrative più audaci. Perché sì, The Calamity ha fatto scelte audaci, non sempre perfette e spesso non apprezzate ma decisamente d’impatto. E l’episodio 45 ne è l’esempio più clamoroso.

Episodio 45, “Defend You”: superare ogni aspettativa

Attenzione! Seguono SPOILER su quanto accaduto all’interno di Defend You.

Andato in onda il 22 agosto 2026, Defend You arriva nel pieno dello scontro finale tra Ichigo Kurosaki e Yhwach, e in appena venticinque minuti riesce a ribaltare tutto ciò che i lettori del manga pensavano di conoscere su quella battaglia.

Il primo colpo di scena riguarda Ichigo. Nel fumetto originale il ragazzo non disponeva di un vero e proprio level-up di potenza in questa fase dello scontro: nell’anime, invece, sblocca per la prima volta un Bankai del tutto inedito, mai apparso su carta, ribattezzato dai fan “Chained Ichigo” (o “Blood Chains Ichigo”). Una trasformazione che fonde i tratti dello Shinigami sostituto con quelli del suo Hollow interiore, avvolta letteralmente in catene di sangue, e che per la prima volta mette temporaneamente Yhwach sulla difensiva.

Ma il vero cuore dell’episodio è un altro, ed è un cuore che batte da tempo nel petto di un personaggio spesso sottovalutato: Orihime Inoue. Per tutta la durata dello scontro finale, l’anime le ha dedicato uno spazio e una profondità che il manga, nella sua corsa verso la conclusione, non le aveva mai concesso davvero.

In Defend You quel percorso arriva al culmine: mentre Yhwach continua a colpire e a distruggere Ichigo, Orihime lo rifiuta, lo respinge, lo riporta indietro, ancora e ancora, fino a superare ogni limite fisico ed emotivo. Il suo monologo interiore dove continua a ripetersi che vorrebbe essere più forte, fatto di rabbia verso la propria presunta debolezza e di un desiderio quasi disperato di “rifiutare” ogni dolore, ogni paura, non solo quella davanti a lei ma quella del mondo intero, trasforma una scena di supporto in uno dei momenti più intensi mai scritti per il personaggio.

L’episodio si chiude con Orihime che decide di spingersi oltre ogni limite pur di salvare Ichigo, dissolvendosi insieme a Yhwach in una pioggia di petali di fiori: un finale volutamente ambiguo, senza anteprima del prossimo episodio, che arriverà tra il 29 e il 30 agosto, e che ha lasciato l’intero fandom con il fiato sospeso per giorni.

Ma a ripensarci, non dovremmo nemmeno essere così sorpresi. Il vero potenziale di Orihime, del resto, era già stato intuito tempo addietro da uno degli antagonisti più lucidi dell’intera opera: Aizen.

Già nell’arco degli Arrancar, osservandola guarire il braccio reciso di Grimmjow, il traditore capisce che il potere di Sōten Kisshun non è una semplice guarigione, ma un vero e proprio rifiuto della realtà, capace in teoria di cancellare un evento anziché limitarsi a ripararne le conseguenze. È per questo che Aizen la rapisce e la costringe a lavorare sull’Hōgyoku: aveva capito, con anni di anticipo su tutti, che quella ragazza gentile e insicura nascondeva uno dei poteri più pericolosi mai apparsi in Bleach.

Vedere quella stessa intuizione, rimasta per anni sullo sfondo, esplodere finalmente in tutta la sua forza inDefend You è forse il modo più elegante che la serie potesse trovare per chiudere il cerchio.

Ed è qui che, personalmente, l’episodio colpisce più duramente di quanto ci si aspettasse. Il sacrificio di Orihime scioccante, spiazzante, arrivato senza la minima anteprima a prepararci mette in scena una delle protagoniste femminili più sorprendenti dell’intero shonen contemporaneo.

In pochi episodi Orihime compie una maturazione che, pur diversa nella forma, non ha nulla da invidiare a quella di Ichigo: se lui cresce imparando ad accettare la propria natura ibrida, lei cresce imparando ad accettare che la propria gentilezza, così a lungo scambiata per fragilità, è in realtà la forma più pura del suo coraggio.

Non sorprende che diverse testate specializzate abbiano definito questo episodio come uno dei migliori mai realizzati nella storia degli anime con un punteggio che oscilla tra il 9.8 e il 9.9 su IMDb, reggendo il confronto (e per certi versi superandolo) per Bleach con puntate già entrate nella leggenda della serie come The Blade Is Me o The Perfect Crimson. Non tanto per la spettacolarità dello scontro in sé, quanto per il modo in cui riscrive, con coraggio, il significato stesso della battaglia finale.

Kenpachi Zaraki: non avevamo ancora visto nulla

Prima di proseguire, una piccola parentesi su uno dei personaggi della saga a cui tengo particolarmente e che ha avuto l’evoluzione più evidente rispetto agli altri in questo story arc.

Parlare solo di Ichigo e Orihime, sarebbe ingiusto verso un arco narrativo che nelle sue parti precedenti ha regalato altrettanta profondità a tanti personaggi, ma a uno in particolare che sembrava non poterne avere: Kenpachi Zaraki.

Per oltre vent’anni Kenpachi è stato il capitano che combatteva senza tecnica, senza nome per la propria spada, incapace persino di sentire la voce del proprio Zanpakuto. Un guerriero puro, quasi primitivo, che si affidava solo alla propria brutalità.

The Calamity, insieme al resto della saga, ha invece trasformato quel vuoto in una delle rivelazioni più toccanti dell’intero franchise. Il legame con la sua luogotenente Yachiru Kusajishi, la bambina senza nome che Kenpachi trovò e adottò dopo uno dei suoi scontri nel violento distretto di Rukongai, si è rivelato tutt’altro che una semplice storia di affetto: Yachiru è la manifestazione fisica di Nozarashi, lo spirito della sua stessa Zanpakuto, tornata da lui sotto forma di bambina proprio perché Kenpachi non era ancora in grado di percepirla in nessun altro modo.

Una rivelazione confermata dallo stesso Tite Kubo, che paragona il rapporto tra Kenpachi e Yachiru a quello tra Ichigo e la sua Tensa Zangetsu.

Il momento in cui questo legame trova compimento, durante lo scontro con lo Stern Ritter Gerard Valkyrie, è di una potenza narrativa rara: Yachiru scompare dalla sua vita proprio mentre gli dona, con un semplice tocco, l’accesso al Bankai, un potere talmente selvaggio da tingere di rosso la pelle di Kenpachi e trasformarlo in un berserker, una creatura quasi demoniaca, capace di abbattere un nemico che aveva resistito ai colpi combinati di Byakuya e Hitsugaya.

Non è soltanto la nascita del Bankai più atteso della storia di Bleach: è la scoperta che l’unica vera compagna di Kenpachi, per tutto questo tempo, non era mai stata separata da lui. Un tassello che, inserito nel grande affresco di questi ultimi episodi, dimostra quanto The Calamity stia lavorando bene su ogni singolo personaggio, e non solo sui suoi due protagonisti principali.

La storia che Tite Kubo voleva davvero raccontare

La domanda sorge spontanea: come si permette un adattamento animato di riscrivere così profondamente il finale di un manga già concluso da anni? La risposta, in questo caso, è più semplice di quanto sembri: perché a riscriverlo è lo stesso Tite Kubo. In un’intervista pubblicata sul canale YouTube ufficiale della serie, l’autore si è seduto al fianco del supervisore generale Tomohisa Taguchi e del regista Hikaru Murata per raccontare quanto sia stato coinvolto nella lavorazione di questi ultimi episodi. Kubo ha spiegato di aver iniziato a realizzare personalmente bozzetti e storyboard al posto dei consueti appunti scritti, dopo essersi reso conto che le sue indicazioni testuali finivano per riempire pagine difficili da interpretare per lo staff di animazione.

Passare al disegno diretto si è rivelato molto più immediato, e nonostante il timore iniziale di invadere il lavoro degli animatori professionisti, l’entusiasmo con cui la squadra ha accolto le sue tavole lo ha spinto a proseguire su questa strada con costanza.

Da questo dialogo diretto tra mangaka e studio d’animazione nascono contenuti come il Bankai di Ichigo, disegnato e battezzato personalmente da Kubo, così come l’ampliamento del ruolo di Orihime proprio nell’episodio 45.

Una scelta che, secondo diverse fonti vicine alla produzione, nasce dalla volontà dichiarata dell’autore di dare finalmente respiro a un finale che sulla carta, per esigenze editoriali, era stato costretto a correre.

Il manga, va ricordato, chiuse la sua serializzazione in modo piuttosto brusco: l’anime, con Kubo stesso al lavoro sullo storyboard, sta usando questi ultimi episodi per restituire a quella conclusione tutto lo spazio, il respiro emotivo e la cura che meritava.

L’obiettivo dichiarato di Kubo è quello di correggere quello che lui stesso considerava un difetto della propria opera: una fase conclusiva troppo compressa, personaggi come Orihime relegati a un ruolo di supporto quando avrebbero meritato molto di più.

Il fandom, va detto, si è diviso: c’è chi accusa l’anime di allontanarsi troppo dal testo originale, chi invece lo considera finalmente la versione definitiva della storia, quella che Kubo avrebbe voluto raccontare se non avesse avuto vincoli editoriali.

Difficile dargli torto quando anche la critica più esigente, pur discutendo le scelte narrative, resta unanime su un punto: la qualità dell’animazione, l’interpretazione di Ichigo con il suo nuovo aspetto ibrido, e soprattutto la forza con cui Orihime viene finalmente scritta come protagonista a tutti gli effetti, non come semplice spalla sentimentale.

Un anime da sempre superiore al manga (ma che non corregge tutti i difetti)

C’è un discorso più ampio che vale la pena fare, ed è un discorso che riguarda l’intera operazione Thousand-Year Blood War, non solo i suoi ultimi episodi. Da quando questo adattamento è tornato nel 2022, personalmente lo considero superiore, nella sostanza, al materiale da cui nasce: dove il manga correva, spesso schiacciato dai tempi di serializzazione, l’anime approfondisce.

The Calamity porta questa tendenza al suo picco più alto, con episodi che, come (My life to) Defend You, riescono a rendere memorabile anche ciò che sulla pagina scritta era solo abbozzato.

Eppure, per quanto straordinario, questo adattamento non riesce a rimediare al limite più grande dell’intera Guerra dei Mille Anni: uno squilibrio di potere quasi strutturale tra i protagonisti e i loro avversari.

Yhwach e i suoi Sternritter più forti restano, riscrittura dopo riscrittura, così soverchianti da lasciare ai vari Ichigo, Uryū, Rukia e agli stessi capitani della Soul Society pochissimi, vinti a fatica, veri momenti di gloria solitaria.

Anche le migliori sequenze di questi ultimi episodi, per quanto emozionanti, arrivano quasi sempre attraverso sacrifici, colpi di fortuna o interventi esterni, più che attraverso una vittoria piena e conquistata sul campo. È un difetto che appartiene al manga originale e che nemmeno la scrittura più ispirata di questa fase finale, per quanto la nasconda egregiamente dietro un’animazione e una messa in scena straordinarie, riesce del tutto a cancellare.

Verso l’addio alla Soul Society

Restano poche settimane alla fine di questa lunghissima Guerra dei Mille Anni, ma se il livello degli ultimi episodi è indicativo di ciò che ci aspetta, Bleach: Thousand-Year Blood War si sta guadagnando il diritto di chiudere la propria storia come l’opera definitiva di Tite Kubo che finalmente può dare spazio a quelle idee che hanno atteso davvero troppo tempo.

Un finale scritto, disegnato e riscritto a quattro mani tra un autore che non ha mai smesso di amare i suoi personaggi e uno studio che, episodio dopo episodio, sta dimostrando di saperli onorare come meritano. Ichigo e Orihime, in fondo, sono sempre stati questo: due ragazzi disposti a proteggersi a vicenda fino all’ultimo respiro.

E ora attendiamo con ansia gli episodi finali per scoprire il fato di Ichigo, Orihime e salutare una delle opere che, nel bene e nel male, ci ha davvero appassionato e ultimamente ha riacceso gli animi (e il Reiatsu) dei propri fan.

Si dice che la dedizione e la costanza battono il talento. Che non importa quanto tu sia portato per qualcosa. Se sei disposto a lavorare più duramente degli altri, a rialzarti quando cadi e a continuare quando ogni fibra del tuo corpo ti chiede di fermarti, prima o poi riuscirai a colmare qualsiasi distanza. È una di quelle frasi che abbiamo sentito ripetere così tante volte da essere diventata quasi un luogo comune.

Eppure, guardando l’adattamento anime di Hajime no Ippo, ho iniziato a chiedermi quanto ci sia di vero.

Conosciuto anche con il titolo di Fighting Spirit, l’opera nasce nel 1989 sulle pagine del Weekly Shōnen Magazine, per poi essere adattata in una serie televisiva nei primi anni Duemila. Nonostante il manga del maestro George Morikawa goda di una certa popolarità, al momento non esiste un’edizione italiana dei circa 145 tankōbon pubblicati fino a gennaio 2026.

Nonostante questo vuoto nel panorama manga italiano, l’anime è disponibile su Netflix e conta ben tre stagioni per un totale di 127 episodi.

Come dice il proverbio, le cose belle accadono quando meno te le aspetti, e non posso che confermarlo. Ho iniziato a guardare Hajime no Ippo quasi per caso e mi sento davvero fortunato ad aver scoperto quello che considero uno degli spokon più entusiasmanti di sempre.

Una storia di riscatto sociale

Hajime no Ippo segue il percorso di crescita di Ippo Makunouchi, un timido studente delle superiori, vittima di bullismo e insicuro. L’incontro con la boxe cambia radicalmente la sua vita, permettendogli di scoprire una forza che non sapeva di possedere e una passione per il pugilato destinata a trasformarsi in qualcosa di molto più grande.

Da ragazzo insicuro e introverso, Ippo intraprende così un lungo percorso fatto di allenamenti, sacrifici, sconfitte e vittorie, fino a trasformarsi in un temibile pugile. Ma il vero viaggio di Ippo non consiste soltanto nel diventare più forte sul ring, ma anche nella ricerca continua della risposta a una domanda apparentemente semplice, ma tutt’altro che banale: cosa significa, davvero, essere forti?

Ippo Makunouchi

Lo sviluppo dei personaggi è al centro della narrazione

Nonostante sia un anime incentrato sul pugilato e ricco di combattimenti al cardiopalma, il vero cuore pulsante della serie è il character development. Ogni personaggio porta con sé un passato importante che, in un modo o nell’altro, finisce per influire sulla crescita di Ippo.

Questo vale tanto per chi fa il tifo per lui quanto per i suoi avversari. Basti pensare al rapporto di amicizia e rivalità che nasce con Miyata, al rispetto reciproco con il temibile russo Volg Zangief o al legame con il suo allenatore Genji Kamogawa, che Ippo vede come una figura paterna e del quale si fida ciecamente.

Al momento della scrittura di questo speciale ho guardato i primi 59 dei 127 episodi che compongono la serie e mi sono sinceramente affezionato ad alcuni dei personaggi che circondano Ippo.

Primo tra tutti Mamoru Takamura, campione dei pesi medi e mentore di Ippo sin dai suoi primi passi sul ring. Anche se può sembrare una persona superficiale e spesso sopra le righe, i suoi consigli e il suo supporto sono fondamentali per la crescita di Ippo, che lo stima profondamente. Takamura regala inoltre alcuni dei momenti più esilaranti della serie, soprattutto a causa della sua incontenibile passione… per le donne.

Secondo solo a Takamura per importanza e peso nella storia di Ippo c’è il coach Genji Kamogawa. Il rapporto tra i due è paragonabile a quello tra padre e figlio. Ippo, da quello che sappiamo fino all’episodio 59, è cresciuto senza il padre e vede in Kamogawa una figura paterna di cui si fida ciecamente, oltre che un allenatore esperto e intelligente. Il loro rapporto di fiducia sembra però incrinarsi irreparabilmente quando il coach Kamogawa sottopone Ippo a un allenamento estenuante, portandolo quasi al burnout. Per la prima volta vediamo Ippo dubitare delle capacità del suo allenatore e chiedersi se i suoi metodi siano davvero quelli giusti. Sarà uno scontro memorabile contro “White Fang” Volg a costringerlo a ricredersi.

Coach Genji Kamogawa (a sinistra) e Mamoru Takamura

Ultimo, ma non certo per importanza, c’è Ichiro Miyata, l’eterno rivale di Ippo. Dotato di un’elasticità impressionante, Miyata è il primo avversario di Ippo, anche se non in veste ufficiale. Il loro primo sparring, che avviene nei primissimi episodi, mette in evidenza l’enorme divario tecnico tra i due e non fa che alimentare in Ippo il desiderio di migliorare. I due prendono strade diverse quando Miyata parte per la Thailandia, dopo essere stato sconfitto da Ryo Mashiba in un incontro del Eastern Japan Rookie King Tournament, competizione alla quale Ippo partecipa per la prima volta come pugile professionista. Sono sicuro che prima o poi i due si scontreranno di nuovo e, quando accadrà, sarà un incontro carico di emozioni.

È grazie a personaggi come questi tre, e ad altri che non ho menzionato, che assistiamo alla graduale ma profonda trasformazione di Ippo, che passa dall’essere un timido ragazzo vittima di bullismo a diventare un temibile combattente, spinto da un’enorme forza di volontà e dal desiderio di non deludere quelli che credono in lui.

Scambio di pugni tra Takeshi Sendō (a sinistra) e Ippo

Hajime no Ippo non è una serie perfetta

Nonostante i feroci combattimenti, i momenti carichi di tensione e una rappresentazione abbastanza fedele del nobile sport del pugilato, Hajime no Ippo non è una serie esente da difetti.

Dopo aver guardato una cinquantina di episodi mi sono reso conto di quanto la serie segua uno schema ben preciso e, alla lunga, ripetitivo, quasi fosse una combinazione di colpi. Lo schema prevede il susseguirsi di diverse “fasi”: lo studio dell’avversario, la presa di coscienza di non essere all’altezza dello scontro, l’allenamento, il combattimento, le difficoltà sul ring, il colpo di scena e, infine, la vittoria.

Questo schema ha accompagnato i primi otto incontri di Ippo, guidandolo verso altrettanti KO consecutivi. Una formula che funziona e che sa regalare momenti di grande tensione, ma che rischia di diventare prevedibile quando viene riproposta quasi invariata.

Almeno fino all’incontro contro Eiji Date, il campione giapponese dei pesi piuma.

Il peso dei pugni di un campione

Eiji Date è uno degli avversari più interessanti che Ippo incontra sul suo cammino. Nonostante sia nella fase discendente della sua carriera, Date è un pugile esperto, capace di combattere con tecnica e cervello. È proprio lui a porre fine all’incessante serie di knockouts di Ippo, in uno scontro valido per il titolo nazionale dei pesi piuma.

Eiji Date, il campione giapponese dei pesi piuma

Il divario tecnico tra i due sembra assottigliarsi sempre più nel corso dell’incontro carico di tensione, anche grazie al coraggio e alla caparbietà del giovane challenger Makunouchi, capace di tenere testa al campione e al suo colpo migliore: il corkscrew, il “cavatappi”. Nonostante ciò, il match vede Ippo sconfitto, cadere al tappeto privo di sensi proprio mentre il coach lancia l’asciugamano sul ring, decretando la resa.

Questo incontro, che vede Ippo perdere per la prima volta, rappresenta uno spartiacque per il giovane pugile. Attanagliato dal rimorso di non aver fatto abbastanza, non riesce ad accettare la sconfitta e ripensa incessantemente alle parole di Date: “I tuoi pugni sono leggeri”. Parole che fanno riflettere Ippo, fino a fargli comprendere che il campione non si riferiva al peso o alla potenza dei suoi pugni, bensì a tutto ciò che un pugno porta con sé: rabbia, rancore e voglia di riscatto. In altre parole, lo spirito combattivo e il rifiuto di arrendersi.

È chiaro come la sconfitta contro Eiji Date sarà un tassello importante per la carriera pugilistica di Ippo.

“Avrei voluto vincere”, qualche giorno dopo la sconfitta contro Date

L’animazione e il sound design portano lo spettatore nel ring

Nulla da dire nemmeno sull’animazione, che conserva tutto il sapore degli anime degli anni Novanta, curata dallo studio Madhouse con il contributo di Nippon Television e la regia di Satoshi Nishimura.

Non avendo ancora letto il manga, non ho termini di paragone per valutare il livello artistico della sua controparte animata. Posso però dire che Hajime no Ippo rispetta e soddisfa pienamente le aspettative che si possono avere da un anime di questo tipo.

Le scene di combattimento, che si tratti di un allenamento o di un match ufficiale, sono realistiche sia nei movimenti dei pugili sia nella cura dei suoni. Si può sentire il rumore delle catene che sostengono il sacco mentre viene martellato di colpi, il fischio delle suole degli stivali dei pugili che si muovono agilmente sul tappeto del ring o persino il semplice impatto di un gancio destro capace di spezzare il fiato dell’avversario.

Insomma, guardando Hajime no Ippo mi è quasi sembrato di essere lì sul ring, con il fiato corto e la fatica che si fa sentire nelle gambe, in attesa della prima occasione utile per affondare un colpo.

Ippo e il suo letale “dash and dart”

Il viaggio continua…

Hajime no Ippo è lo spokon dedicato alla nobile arte del pugilato creato dal mangaka George Morikawa e tutt’oggi pubblicato in Giappone da Kodansha sulle pagine del celebre Weekly Shōnen Magazine. Nonostante il manga non sembri essere ancora giunto alla sua conclusione, la controparte animata dell’opera conta tre stagioni per un totale di 127 episodi, tutti disponibili sul catalogo italiano di Netflix.

Hajime no Ippo non è una semplice storia sul pugilato, ma un’opera che comunica un messaggio ben preciso: l’impegno e la dedizione verso qualcosa possono ripagare molto più del solo talento. Una lezione che la serie ci ricorda costantemente, attraverso ogni allenamento, ogni sconfitta e ogni vittoria, invitandoci a fare del nostro meglio nella vita, indipendentemente dalla situazione in cui ci troviamo.

Ho iniziato a guardare questo anime quasi per caso, senza aspettarmi molto, e mi sono ritrovato sul ring, a soffrire insieme a Ippo per ogni pugno, ogni sconfitta e ogni allenamento. Dopo 59 episodi non so ancora dove porterà il suo viaggio, ma so che continuerò a seguirlo. Perché forse è proprio questo che rende grande questo spokon: non importa quanto sia difficile l’incontro, finché hai ancora la forza di continuare a rialzarti.

Negli anime shonen esiste una regola quasi non scritta: prima o poi, il protagonista incontra un maestro più anziano, più esperto e soprattutto più potente. Goku ha ricevuto i primi insegnamenti dal Maestro Muten, Naruto ha avuto Jiraiya, Izuku Midoriya quale modello si è ispirato a All Might e così via. Insomma, è nel destino del protagonista incronciare la strada di qualcuno che gli insegni a combattere, a controllare le proprie capacità e a raggiungere il livello successivo.

Poi c’è Reigen Arataka che non ha alcuna di queste caratteristiche. Non è un grande combattente, non è un guerriero leggendario e non è nemmeno un sensitivo. Anzi, non possiede alcun potere psichico.

È un sedicente esperto del paranormale che ha costruito la propria attività sulla capacità di parlare, convincere le persone e uscire dalle situazioni più assurde con una sicurezza quasi disarmante. Eppure è lui il mentore di Shigeo Kageyama, meglio conosciuto come Mob protagonista di Mob Psycho 1000 il manga (e poi anime) di ONE, autore anche di One Punch Man.

Reigen non è il classico maestro degli shonen e questa cosa in Mob Psycho 1000 funziona perché Mob non ha bisogno di qualcuno che gli insegni a diventare più forte perché lo è già. Quello di cui ha bisogno è qualcuno che gli insegni a rimanere umano.

Reigen non ha poteri e proprio per questo risulta fondamentale nonché uno dei personaggi più divertenti di Mob Psycho 100 proprio perché, sulla carta, non dovrebbe avere alcun motivo per essere lì.

Fa discorsi teatrali, utilizza trucchi da quattro soldi e si spaccia per un potente sensitivo. Riesce a convincere molte persone perché possiede una sicurezza tale da trasformare anche la più grande assurdità in qualcosa di credibile.

Il problema è che Mob sa perfettamente che Reigen non possiede alcun potere e continua comunque a considerarlo il suo maestro.

In un altro anime, un personaggio del genere sarebbe probabilmente destinato a diventare una semplice spalla comica, mentre Mob Psycho 100 fa l’esatto contrario; Reigen rimane importante perché comprende una cosa fondamentale: non tutti i problemi di Mob possono essere risolti con i poteri psichici.

Mob non ha bisogno di qualcuno che gli insegni a vincere, ma ha bisogno di qualcuno che gli insegni quando non vale la pena combattere.

Possedere un potere non significa avere il diritto di usarlo contro gli altri. Essere più forte non significa essere una persona migliore. Essere diverso non significa essere superiore. Sono concetti semplici, ma per Mob sono fondamentali.

Il vero ruolo di Reigen? Ricordare a Mob che è ancora un ragazzo

Uno dei problemi più ricorrenti degli anime shonen è che i loro protagonisti sono costretti a crescere troppo in fretta.

Devono diventare più forti, proteggere gli altri, sconfiggere il nemico e dimostrare di essere all’altezza del proprio potenziale e Mob potrebbe facilmente finire dentro questo meccanismo.

È uno dei ragazzi più potenti del mondo, ma allo stesso tempo è semplicemente uno studente delle scuole medie e Reigen lo capisce.

Mob dovrebbe poter vivere la propria adolescenza, dovrebbe poter entrare in un club scolastico, avere una cotta, preoccuparsi di problemi apparentemente insignificanti e persino fallire nelle cose più normali della vita.

Non dovrebbe essere trasformato in un’arma soltanto perché possiede un talento fuori dal comune e per questo Reigen non gli dice semplicemente di diventare più forte ma gli insegna, soprattutto, a vivere.

Lo invita a fare un passo indietro, a calmarsi e a ricordare che ha delle scelte. Lo aiuta a comprendere che la rabbia non lo definisce, che la paura non lo rende debole e che amore, vergogna e speranza fanno parte della sua vita tanto quanto i suoi poteri.

Reigen non può risolvere questi problemi al posto suo, ma può offrirgli un punto di partenza sicuro ed è proprio permettendo a Mob di essere un ragazzo che diventa il mentore adulto di cui ha realmente bisogno.

Reigen: bugiardo, egoista, idiota, ma presente per Mob quando serve

La cosa migliore di Reigen è che Mob Psycho 100 non cerca mai di trasformarlo in un santo.

Utilizza i poteri di Mob per migliorare la propria attività, mente, manipola le situazioni a proprio vantaggio ed è spesso egoista, orgoglioso e incredibilmente sciocco. È un impostore, ma non è una semplice macchietta.

Quando Mob è confuso, Reigen cerca di aiutarlo. Quando rischia di perdere il controllo, prova a proteggerlo. E quando gli altri iniziano a considerare il suo potere come qualcosa di straordinario o pericoloso, Reigen continua a parlargli come se fosse semplicemente un ragazzo. Questa è la sua vera forza.

Reigen è la giusta contrapposizione al classico stereotipo di maestro shonen

Quando gli altri personaggi trasformano il potere in una questione di destino, Reigen riporta tutto con i piedi per terra.

Non gli interessa quanto Mob sia speciale, ma gli importa che non utilizzi i suoi poteri per fare del male agli altri, che non si consideri superiore e che impari a distinguere ciò che è giusto da ciò che è sbagliato.

In un mondo nel quale tutti sembrano chiedersi “Quanto sei forte?“, Reigen pone una domanda completamente diversa: “Che persona vuoi essere?“

È una differenza apparentemente piccola, ma rappresenta il cuore di Mob Psycho 100.

Il rapporto tra Mob e Reigen, però, non rimane sempre uguale. Mob con il tempo comprende di non averne più bisogno nello stesso modo di prima. Ma questo invece di portare a una rottura del rapporto, ha come risultato la crescita del legame tra il protagonista e Reigen. Mentre Mob diventa progressivamente più consapevole di se stesso, anche Reigen è costretto a confrontarsi con i propri limiti.

Questo perché non è un mentore perfetto così come non è nemmeno un adulto perfetto, ma è una persona piena di contraddizioni che cerca, spesso goffamente, di fare la cosa giusta e finisce per imparare a sua volta qualcosa da Mob. È questo che rende il loro rapporto molto più umano del classico schema “maestro-allievo”.

Il miglior mentore per Mob?

Alla fine di Mob Psycho 100, Reigen si rivela il mentore ideale per questa storia proprio perché non è perfetto.

È rumoroso, bugiardo, debole, falso, spesso imbarazzante ed egoista. eppure, quando guarda Mob, riesce a vedere qualcosa che molti altri personaggi non vedono.

Non vede un’arma o il ragazzo che potrebbe diventare il più potente di tutti, ma vede Shigeo Kageyama un semplice ragazzo che può sbagliare, avere paura, innamorarsi, perdere, crescere e scegliere chi vuole diventare.

E Reigen è il maestro giusto al momento giusto.

*Fonte del presente articolo: CBR.com