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Toni Bellasalma 6 – Il taxi delle anime perdute – Recensione

Recensione del sesto capitolo del consulente di stocastica esoterica più famoso di Torino, a cura di Luca Blengino e Vincenzo Odore.

Pubblicato

2 ore ago

2 Giugno 2026

Rossano D'Angelo

Il taxi delle anime perdute, scritto da Luca Blengino con i disegni di Vincenzo Odore e pubblicato da Bugs Comics, è il volume che ha cambiato completamente la percezione iniziale che avevo del personaggio di Toni Bellasalma.

Quello che mi aspettavo fosse “la classica storia alla Toni”, fatta di ironia, situazioni assurde e horror leggero, si è invece rivelato essere un racconto sorprendentemente malinconico e profondo, capace di nascondere sotto il velo del soprannaturale una riflessione molto più umana sul dolore, sulla solitudine e sull’essere prigionieri di qualcosa più grande di noi.

Ambientato in una Torino cupa e piovosa, Il taxi delle anime perdute veste Toni dei panni di una sorta di moderno Caronte, intrappolato in una maledizione che lo costringe a convivere con anime incapaci di trovare pace mentre lui stesso sembra essere, in fondo, una delle anime più perdute della storia.

Toni, il traghettatore di anime

Uno degli aspetti che più mi ha colpito de Il taxi delle anime perdute è il parallelismo che Blengino fa tra Toni Bellasalma e la figura mitologica di Caronte. Toni, infatti, non si limita semplicemente a guidare un taxi in una Torino piovosa e malinconica, ma accompagna vere e proprie anime perdute verso un misterioso locale che sembra rappresentare l’aldilà.

Ed è proprio durante questi tragitti che il fumetto trova alcuni dei suoi momenti migliori. Ogni anima salita sul taxi porta con sé una storia diversa, fatta di rimpianti, dolore, rabbia o cose lasciate in sospeso, e attraverso questi racconti il volume costruisce un’atmosfera tanto soprannaturale quanto profondamente umana.

Toni ascolta, osserva e accompagna queste anime verso la loro destinazione finale, ma la sensazione è che questo viaggio non riguardi soltanto i suoi passeggeri. Più la storia va avanti, più sembra evidente che anche Toni stesso sia intrappolato in qualcosa da cui non riesce a liberarsi.

Tavola tratta da Toni Bellasalma 6 - Il taxi delle anime perdute

I disegni di Vincenzo Odore

Grande merito dell’atmosfera cupa e malinconica di questo sesto volume va senza dubbio ai disegni di Vincenzo Odore.

Il tratto marcato di Odore, quasi come se volesse lasciare dei graffi sulla pagina, riesce infatti a trasmettere perfettamente quella sensazione di malinconia che soltanto una lunga giornata di pioggia sembra portarsi dietro. Ed è proprio questa scelta stilistica a dare alla storia un tono ancora più oscuro e pesante.

Una delle tavole che più mi è rimasta impressa è proprio quella iniziale, che vede Toni Bellasalma a bordo del taxi maledetto mentre si fa strada tra le vie fradice di pioggia di Torino alla ricerca della prossima anima da trasportare. Una scena semplice, ma incredibilmente evocativa, che riesce già dalle prime pagine a definire perfettamente il tono dell’intera opera.

La maledizione di Toni Bellasalma

Il finale de Il taxi delle anime perdute, oltre al classico umorismo che caratterizza la serie, offre anche un inaspettato colpo di scena che aggiunge finalmente profondità al personaggio di Toni Bellasalma.

Nel corso delle ultime pagine, infatti, viene svelato un dettaglio fondamentale del suo passato: a causa di una maledizione inflittagli dal misterioso Conte, Toni non può lasciare Torino. Per lui è come se l’intera provincia fosse circondata da un muro invisibile impossibile da oltrepassare.

Ed è proprio questa rivelazione a cambiare completamente la percezione che avevo del personaggio. Toni Bellasalma smette infatti di sembrare soltanto una figura ironica immersa in situazioni paranormali e inizia finalmente a mostrare un lato più tragico e malinconico, quello di un uomo intrappolato nella propria condanna.

Chissà, magari Luca Blengino sta lentamente costruendo il passato di Toni Bellasalma per arrivare, un giorno, ad uno scontro finale con il famigerato Conte che libererà Toni dalla maledizione..?

Conclusione

Toni Bellasalma 6 – Il taxi delle anime perdute di Luca Blengino e Vincenzo Odore veste Toni dei panni di un moderno Caronte urbano, impegnato ad accompagnare le anime dei morti verso il loro ultimo viaggio.

Ma sotto il velo dell’horror paranormale e dell’ironia che caratterizza la serie, questo sesto volume nasconde qualcosa di molto più malinconico e personale. Per la prima volta, infatti, veniamo a conoscenza di un elemento fondamentale del passato di Toni Bellasalma: la maledizione che lo costringe a restare intrappolato a Torino e che cambia completamente il modo in cui guardiamo il personaggio.

Il taxi delle anime perdute non è soltanto una buona storia horror dai toni noir, ma è soprattutto il volume che inizia finalmente a scavare dentro Toni Bellasalma, trasformandolo da semplice figura ironica dell’occulto ad un personaggio molto più tragico, umano e interessante di quanto immaginassi.

VOTO POPCORNERD 7.0/10

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SAND LAND di Akira Toriyama – Recensione

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Fumetti

SAND LAND di Akira Toriyama – Recensione

Pubblicato

3 giorni ago

30 Maggio 2026

Rossano D'Angelo

Accolgo sempre volentieri i consigli di lettura di chi, come me, esplora generi e stili diversi alla costante ricerca di quell’opera capace di lasciarti qualcosa, e che non si riduca ad una semplice lettura destinata ad essere dimenticata non appena si gira l’ultima pagina.

Con questo spirito di esplorazione – e spingendomi verso territori che oserei definire fuori dalla mia comfort zone – ho letto SAND LAND, manga realizzato dal leggendario Akira Toriyama e serializzato in Giappone sulla rivista Weekly Shōnen Jump tra maggio e agosto del 2000.

L’opera è distribuita in Italia da Star Comics ed è stata ristampata nel 2024 in una Ultimate Edition, edizione che ho deciso di acquistare per recuperare una delle opere “minori” del sensei, autore che considero una vera leggenda del fumetto giapponese.

Non avevo particolari aspettative, se non quella di leggere qualcosa di diverso da Dragon Ball, ma la fortissima identità visiva di SAND LAND ha reso quasi inevitabile il paragone con l’opera più celebre del sensei Akira Toriyama e questa cosa ha influito sulla lettura.

Di cosa parla SAND LAND

Le chiavi di lettura dell’opera sono principalmente due.

La prima è quella più immediata e avventurosa, che vede i due demoni Beelzebub e Thief unire le forze con il misterioso Rao per partire alla ricerca di una sorgente inesauribile d’acqua, in un mondo desertico dove questa risorsa primaria scarseggia sempre di più e viene controllata da un potere centrale che ne possiede in abbondanza senza alcuna intenzione di condividerla con la popolazione.

La seconda chiave di lettura è invece quella più analitica e riflessiva. Dietro il tono leggero e scanzonato tipico di Akira Toriyama, SAND LAND affronta temi come la critica al potere tirannico, la disuguaglianza sociale, la guerra e l’abuso del controllo delle risorse, costruendo un mondo in cui i veri demoni, in fondo, non sono necessariamente quelli con le corna.

Nonostante la sua natura di volume unico – e una durata che personalmente ho trovato forse troppo breve rispetto al potenziale della storia – l’opera affronta ancora oggi tematiche incredibilmente attuali, a quasi trent’anni dalla sua pubblicazione originale.

Alcune cose funzionano, altre meno

Rischiando di risultare banale, il vero punto di forza di SAND LAND l’ho trovato proprio nei disegni di Akira Toriyama. L’opera gode infatti di un comparto artistico di altissimo livello, con character design, mezzi di trasporto e paesaggi semplicemente impeccabili. Ogni tavola trasmette immediatamente l’identità artistica del sensei e dimostra ancora una volta quanto il suo tratto sia iconico e riconoscibile.

Allo stesso tempo, però, questa fortissima identità visiva rappresenta anche uno dei limiti principali dell’opera. Molti elementi di SAND LAND ricordano infatti con troppa insistenza Dragon Ball, al punto che la linea che separa le due opere finisce spesso per diventare estremamente sottile.

Un esempio evidente arriva già nei primi capitoli con l’introduzione di King Lucifer, padre di Beelzebub, il cui design richiama in maniera quasi immediata Darbula. Ed è proprio qui che nasce uno dei dubbi che mi ha accompagnato durante tutta la lettura: si tratta di una scelta volutamente nostalgica da parte di Toriyama oppure di una certa stanchezza creativa maturata dopo aver concluso Dragon Ball?

Perché la sensazione costante è che SAND LAND abbia il potenziale per costruirsi una propria identità visiva e narrativa, ma che finisca invece per restare legato quasi indissolubilmente all’ombra dell’opera più celebre del sensei. Una scelta che personalmente non sono riuscito a comprendere fino in fondo.

Buona sintonia tra Rao, Beelzebub e Thief

Ci sono stati diversi momenti in cui il manga è riuscito a strapparmi un sorriso, e gran parte del merito va proprio alla dinamica tra Rao, Beelzebub e Thief. Nonostante le differenze caratteriali, i tre protagonisti finiscono infatti per costruire una chimica credibile e divertente, capace di alleggerire il tono dell’opera nei momenti più leggeri del viaggio.

In particolare, ho apprezzato molto tutte le sequenze legate ai veicoli e agli spostamenti nel deserto: discussioni alla guida, battibecchi e piccoli siparietti comici sono probabilmente gli aspetti che più mi hanno ricordato il miglior Akira Toriyama. È proprio in queste scene più semplici e spontanee che il sensei dimostra ancora una volta la sua enorme capacità nel costruire dinamiche leggere ma estremamente funzionali tra i personaggi.

Rao, che nel corso della storia scopriamo essere un ex soldato dell’armata reale, è probabilmente il personaggio più interessante dell’intera opera. A differenza degli altri protagonisti, che ho trovato tutto sommato piuttosto piatti e poco approfonditi, Rao gode infatti di una backstory decisamente più coinvolgente e rappresenta anche il fulcro del principale plot twist narrativo del manga.

Personalmente, mi piacerebbe molto leggere uno spin-off dedicato proprio a Rao e al suo passato nell’esercito reale, perché ho avuto la sensazione che fosse uno dei pochi elementi dell’opera con un reale potenziale di approfondimento.

Cosa, secondo me, non funziona

Ci sono diversi aspetti di Sand Land che mi hanno lasciato più di qualche punto interrogativo, ma il principale riguarda senza dubbio il Generale Zeu, antagonista principale dell’opera.

Per tutta la durata della storia, infatti, il personaggio risulta sorprendentemente poco incisivo e dà quasi l’impressione di subire passivamente l’avanzata di Rao, Beelzebub e Thief senza mai rappresentare una reale minaccia per i protagonisti. Manca quella sensazione di tensione o escalation narrativa che normalmente dovrebbe accompagnare la presenza di un villain centrale, e questo finisce inevitabilmente per indebolire gran parte del conflitto.

Ed è un peccato, perché i temi trattati dal manga – abuso di potere, controllo delle risorse e tirannia – avrebbero probabilmente beneficiato di un antagonista più presente, spietato e approfondito dal punto di vista narrativo.

Personalmente l’ho trovato uno dei punti più deboli della sceneggiatura, soprattutto perché credo fosse un elemento che avrebbe potuto essere sviluppato con molta più attenzione

Sensazione generale di “opera stanca”

SAND LAND è un’opera visivamente splendida e tematicamente interessante firmata dal leggendario Akira Toriyama, ma allo stesso tempo narrativamente troppo semplice e poco incisiva per lasciare davvero il segno.

Pur affrontando temi ancora attuali come la disuguaglianza sociale, l’abuso di potere e il controllo delle risorse, il manga non riesce mai ad approfondirli fino in fondo, limitandosi spesso a sfiorarli senza costruire un vero impatto emotivo o narrativo.

La sensazione costante, inoltre, è che dopo Dragon Ball Toriyama finisca quasi per vivere nell’ombra della propria opera più iconica. Ed è proprio questo uno degli aspetti che più mi ha lasciato perplesso durante la lettura: SAND LAND sembra avere il potenziale per costruirsi una propria identità, ma non riesce mai davvero a emanciparsi dall’immaginario visivo e narrativo di Dragon Ball.

VOTO POPCORNERD 6.0/10

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Fumetti

TAPUM di Leo Ortolani – Recensione

Recensione di TAPUM, la graphic novel storica dedicata al corpo degli alpini scritta da Leo Ortolani e pubblicata da Feltrinelli Comics.

Pubblicato

5 giorni ago

28 Maggio 2026

Rossano D'Angelo

«TAPUM, ovvero il suono che i soldati italiani sentivano quando il nemico sparava. TA, perchè arrivava prima la pallottola, a colpire la roccia, la trincea, la carne, e PUM, il suono della detonazione, a seguire, senza fretta.»

Racconta così il magister di COMICON Napoli 2026, Leo Ortolani, il significato racchiuso nel titolo del suo ultimo lavoro TAPUM, dedicato agli alpini che durante la Prima Guerra Mondiale sacrificarono le loro vite sul Monte Ortigara tra il 10 e il 29 giugno 1917.

TAPUM è un fumetto sulla guerra che non si accontenta semplicemente di descriverne gli orrori, ma ne racconta soprattutto il prezzo pagato in vite umane. E lo fa senza spettacolarizzare il conflitto e senza trasformarlo in retorica patriottica, bensì cercando di rendere omaggio agli alpini che persero la vita durante il conflitto del Monte Ortigara.

TAPUM porta alla luce un lato nuovo di Leo Ortolani

Parto con una premessa importante: non ho letto quasi nulla di Ortolani, se non Il Signore dei Ratti, fumetto-parodia del grande classico The Lord of the Rings. Ricordo quanto quel tipo di comicità non facesse al caso mio e come questo mi abbia inevitabilmente allontanato da qualsiasi altra opera dell’autore, come ad esempio la blasonata serie di Rat-Man.

Fino a qualche giorno fa.

In TAPUM, infatti, ho trovato un Ortolani completamente diverso da quello della comicità parodistica de Il Signore dei Ratti, un autore che si avvicina molto di più al mio gusto personale, complice anche il tema trattato nell’opera.

Quando si dice: “mai giudicare un libro dalla copertina…”.

La guerra raccontata dal punto di vista dei sacrificabili

Ma di cosa parla TAPUM?

Ridurre l’opera ad un semplice fumetto sulla guerra sarebbe estremamente limitante, perché TAPUM non racconta il conflitto dal punto di vista della strategia militare, delle vittorie o degli ideali patriottici, ma da quello degli uomini mandati a morire. Degli alpini.

Uomini spesso giovanissimi, chiamati a combattere e sacrificarsi sulle pendici del Monte Ortigara per difendere la patria, il Re e le proprie famiglie, nascondendo dietro il coraggio una paura costante: quella di non tornare più a casa.

Ed è proprio qui che Ortolani colpisce più duramente. In TAPUM la guerra non viene glorificata, ma mostrata nella sua forma più crudele e umana. Da una parte ci sono i soldati, costretti ad avanzare tra il fango, i cadaveri dei propri compagni e il rumore incessante dei colpi di fucile; dall’altra un Comando – quello di Cadorna – freddo, distante e calcolatore, disposto a sacrificare centinaia di uomini pur di portare a termine la missione.

L’umorismo amaro di Ortolani

Nonostante i temi trattati lascino davvero poco spazio all’ironia, Ortolani riesce comunque a raccontare questa storia con quel sottile umorismo che finisce inevitabilmente per lasciare l’amaro in bocca.

Ed è proprio questo uno degli aspetti che più mi ha sorpreso di TAPUM: l’ironia non viene mai utilizzata per alleggerire realmente il peso della guerra, ma piuttosto per evidenziarne ancora di più l’assurdità e la crudeltà.

Le battute e i momenti più leggeri strappano spesso un sorriso, ma è una risata che non nasce mai da un posto felice. È un umorismo amaro, umano, che convive costantemente con la paura, la disperazione e la consapevolezza che da un momento all’altro tutto possa finire.

Ed è proprio in questo equilibrio tra ironia e tragedia che Ortolani dimostra tutta la maturità della sua scrittura.

Il bianco e nero nasconde il rosso del sangue

Oltre allo storytelling intelligente, un altro aspetto che mi ha particolarmente incuriosito è stata la scelta di pubblicare TAPUM in bianco e nero.

Il tratto di Leo Ortolani non fa mai sentire la mancanza del colore e, forse, è persino meglio così. Perché in questa storia ci sarebbe stato davvero molto sangue da colorare.

Il bianco e nero contribuisce infatti a rendere l’opera ancora più cruda e malinconica, lasciando che siano le espressioni dei personaggi, i silenzi e la durezza delle tavole a trasmettere tutto il peso emotivo del conflitto. È una scelta stilistica che non impoverisce il fumetto, ma che anzi sembra quasi voler attenuare visivamente l’orrore della guerra senza però nasconderlo davvero agli occhi del lettore.

TAPUM, la crudeltà della guerra attraverso gli occhi di chi l'ha combattuta

In TAPUM, Leo Ortolani dà voce a chi non ne ha mai avuta una: gli alpini che sacrificarono la propria vita nel brutale conflitto combattuto sulle pendici del Monte Ortigara durante la Prima Guerra Mondiale.

E lo fa attraverso uno storytelling intelligente, accompagnato da un disegno che conserva tutti i tratti tipici e immediatamente riconoscibili del suo stile, ma che allo stesso tempo riesce a comunicare tutta la brutalità di uno degli scontri più sanguinosi della guerra.

Un conflitto destinato ad essere ricordato per sempre, insieme alle sue 25.752 vittime.

Anzi, venticinquemilasettecentocinquantadue.

VOTO POPCORNERD 9.5/10

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Manga

Star Comics pubblica THE GHOST IN THE SHELL OMNIBUS EDITION

Star Comics pubblica THE GHOST IN THE SHELL OMNIBUS EDITION in uscita nelle fumetterie e librerie il 26 maggio

Pubblicato

1 settimana ago

25 Maggio 2026

redazione

THE GHOST IN THE SHELL OMNIBUS EDITION: uno straordinario volume che raccoglie la

celeberrima opera sci-fi del grande Shirow Masamune

Un’edizione definitiva perfetta per scoprire o rileggere questo capolavoro del manga cyberpunk

“Tutti quelli intorno a me si sentono connessi a qualcosa…

a qualcosa a cui io non sono connessa.”

Arriverà il 26 maggio in fumetteria, libreria e store online THE GHOST IN THE SHELL OMNIBUS EDITION, uno splendido volume unico che celebra uno dei manga più influenti della storia del fumetto mondiale, in occasione dell’uscita della nuova serie animata attesa per il 2026.

Nato dal genio di Masamune Shirow e serializzato per la prima volta sulle pagine della rivista giapponese Young Magazine tra il 1989 e il 1991, GHOST IN THE SHELL ha dato vita a un franchise di successo globale, che nel corso degli anni ha coinvolto film, serie animate, videogiochi e romanzi, influenzando la cultura pop mondiale.

Il film d’animazione del 1995 vinse il Festival internazionale del film fantastico di Gérardmer nel 1997, mentre nel 2017 è uscito al cinema l’adattamento live action interpretato da Scarlett Johansson. Nel 2026 questa memorabile storia tornerà alla ribalta con una nuova serie anime in arrivo per Science SARU, lo studio d’animazione di Dandadan.

Ambientato in un Giappone del futuro in cui nanotecnologie, ingegneria genetica e informatica permeano ogni aspetto dell’esistenza umana, il manga racconta le avventure del Maggiore Motoko Kusanagi, agente speciale a capo di una squadra d’élite delle forze dell’ordine impegnata nella lotta senza tregua contro il terrorismo e la criminalità organizzata. Al centro della storia si trova il misterioso “Marionettista”, una figura enigmatica che sfrutta le reti digitali per violare l’identità altrui in un mondo in cui i confini tra uomo e macchina si fanno sempre più labili, mettendo a dura prova le certezze stesse della protagonista sulla natura della coscienza e dell’anima.

L’Omnibus raccoglie in un unico, grandioso volume di grande formato con sovraccoperta, GHOST IN THE SHELL, GHOST IN THE SHELL 1.5 e GHOST IN THE SHELL 2 – i sequel pubblicati anch’essi su Young Magazine – per un totale di oltre 800 pagine, alcune delle quali a colori.

Un volume da amare e collezionare, per immergersi di nuovo nelle indimenticabili atmosfere cyberpunk di questa serie epocale, disponibile dal 26 maggio 2026 in fumetteria, libreria e store online.