Da sempre i prodotti d’animazione giapponese ci mostrano una fotografia della società nipponica. Uno degli elementi che più affascina l’occidente è proprio il metodo con cui questi registi vedono il mondo, inquadrano la quotidianità e cercano di raccontare attraverso i propri occhi un messaggio elaborato dall’esperienza di una vita in quella terra da noi tanto sognata e celebrata.

C’è chi costruisce il proprio cinema con un intenzione politica ed un tono più graffiante, come i grandissimi Satoshi Kon e Yoshiaki Kawajiri, che non temono di ricordare al mondo, e soprattutto ai loro cittadini, che la loro grande patria nasconde e omette ombre terrificanti: voyeurismo, enormi disparità sociali, criminalità organizzata, altissimo tasso di suicidi, invecchiamento e sindromi asociali della popolazione.

Tuttavia, se oggi si ammira la cultura del Sol Levante è anche perché esiste un’altra faccia interpretativa. Makoto Shinkai si distingue fin dall’inizio del nuovo millennio con una poetica diametralmente opposta alla scuola anni ’80 e ’90 del cinema d’animazione giapponese: atmosfere solari, musiche rilassanti, dialoghi pacati e inquadrature che oscillano fra dettagli su cibo e oggetti di vita quotidiana e campi lunghi che aprono lo schermo verso la skyline della grande capitale Tokyo.

Immagini tratte dai film di Makoto Shinkai – 5 cm al secondo, Your Name, Weathering with You

La prova dell’allievo

Yoshitoshi Shinomiya, artista formatosi in tecniche pittoriche, osserva nelle retrovie d’animatore il successo del suo mentore Shinkai. Dal 2011 questa giovane promessa segue tutte le produzioni del regista, facendosi notare dal buon Makoto tanto da ottenere per il lungometraggio Your Name la realizzazione di una delle scene più importanti ed iconiche del film (il suggestivo flashback sulla vita di Mitsuha).

Il successo della pellicola è planetario e tutti gridano (direi molto inconsciamente e con eccessiva iperbole) all’arrivo del nuovo Hayao Miyazaki.

Tralasciando queste deliranti dichiarazioni, la qualità del prodotto finale è innegabile e Shinomiya si ritaglia un posto speciale sotto l’ala di Shinkai, da cui assorbirà quante più lezioni possibili in vista della prova che ogni grande animatore deve affrontare per salire a pieno regime nel mondo del cinema: l’esordio alla regia.

A New Dawn portava con sé il rischio del ricalco stilistico, ma l’allievo Yoshitoshi utilizza con molta astuzia la filosofia filmica del suo mentore solo come fondamenta, per proporre la sua formazione all’interno della tecnica animata.

Diamo un senso a questa fine

Riqualificazione. Tutto il silenzio iniziale viene rotto dalla consapevolezza di questa parola, di ciò a cui porterà. Adulti che parlano di interventi pubblici, di funzionari che invitano (sempre con la classica educazione giapponese) a prendere provvedimenti.

Un vociare che nella testa di Keitarō, Kaoru e Sentarō rimane un rumore bianco: chiacchere che portano ad un’azione violenta, infantile data l’agire avventato dei tre protagonisti appena maggiorenni. Già dai primi minuti l’operazione svolta dal regista Shinomiya riesce a spiazzare sia il novizio sia l’appassionato conoscitore dell’ambiente da cui questo artista deriva.

Tutto il lungometraggio si presenta con uno stile grafico d’estrema eleganza, complice la formazione da pittore del buon Yoshitoshi, tradotta nell’utilizzo di acquerelli e pennelli per la costruzione degli sfondi, un character design elaborato dalla sottrazione di un tratto a matita con linee sottili e un’animazione con minor ricchezza di fotogrammi per un movimento volutamente frammentato.

Allo stesso tempo, l’inizio sembra distaccarsi ulteriormente dal linguaggio Shinkai rinunciando alla musica e mostrando una situazione sociale non proprio conforme al rigore nipponico: una rissa.

A New Dawn è in fondo un racconto molto intimo, un’elaborazione silenziosa dell’andare avanti e abbandonare un posto che ha segnato una parte della propria vita, specchio di una tradizione portata avanti da generazioni.

Eppure quel ricordo persiste e la grande metropoli non riesce a sovrastare il desiderio di tornare in quella casa sperduta in campagna, lontana dalla fretta urbana, solo per ritrovare le sensazioni passate.

Da sinistra: Sentarō, Keitarō e Kaoru

Fuochi d’artificio lontani dalla “nostra” città

Kaoru e Sentarō sono traditori. Hanno abbandonato la fabbrica di fuochi d’artificio e il sogno di quell’irraggiungibile Shuhari, si sono arresi al progresso trovando tana in città e cercando carriera. Keitarō all’estremo opposto si è arroccato nella cieca convinzione della tradizione, rinunciando ad una vita sociale in favore del sacrificio per un solo ed unico momento.

Ciò che domina la loro rimpatriata è proprio l’incomunicabilità, che però non viene mostrata col semplice silenzio, ma con dialoghi molto schietti, spesso ripetuti o che balzano da un argomento all’altro senza particolare preavviso.

L’intera sceneggiatura alterna momenti pregni di dramma subito smorzati da un’espressione sciocca che spezza tutta la carica emotiva della scena. Si tratta di un’altalena poco calibrata, forse dovuta al montaggio comunque serrato che permette alla pellicola la durata di circa un’ora e venti minuti.

Sebbene la seconda parte del film ritrovi il sangue del maestro Shinkai con un comparto musicale sovrastante e un’atmosfera si rilassata ma poco silenziosa, menzione d’onore va fatta alla sperimentazione adottata da Yoshitoshi Shinomiya in una particolare scena (senza anticipazioni, il momento dell’ubriaco) in cui collidono tecniche che travisano qualsiasi premessa iniziale, donando freschezza e soprattutto speranza per la poetica di questo giovane regista.

A New Dawn: Superare il maestro (?)

A New Dawn è un esordio ricco di personalità, da un giovane artista che ha stupito tutta la giuria del Festival del Cinema di Berlino con questo delicato racconto d’amicizia oltre la tradizione.

Un film che evolve parzialmente l’abilità maturata dalla lezione di Makoto Shinkai per proporre uno stile pittorico unico al servizio della narrazione non per forza legata ad una fotografia sempre benevola della società giapponese, seppur circoscritta in una storia breve e dal montaggio non sempre calcolato.

Un augurio per queste idee, che possano costruire un nuovo grande nome dell’animazione nipponica.

VOTO POPCORNERD: 8/10

Per molti fan rappresenta un piacevole tuffo nella nostalgia, per altri è ancora oggi il punto più basso mai raggiunto dal franchise. A quasi trent’anni dalla sua prima messa in onda, Dragon Ball GT continua a dividere il pubblico come poche altre opere legate all’universo creato da Akira Toriyama. E se alcune idee introdotte dall’anime, come il Super Saiyan 4 o i Draghi Ombra, sono entrate nell’immaginario collettivo dei fan, con il passare del tempo sono emersi anche limiti che oggi risultano ancora più evidenti, soprattutto dopo l’arrivo di Dragon Ball Super e Dragon Ball DAIMA.

Il problema di Dragon Ball GT: canonico oppure no?

Quando Dragon Ball GT debuttò nel 1996, il concetto di “canonicità” non era un argomento così discusso come lo è oggi. Fino ad allora i fan distinguevano abbastanza facilmente tra manga, anime, filler e film, senza troppe polemiche. GT, però, rappresentava una novità assoluta: era il primo anime della serie realizzato senza un manga di riferimento e senza una sceneggiatura firmata direttamente da Akira Toriyama.

Questa scelta ha alimentato negli anni infinite discussioni. Molti appassionati hanno semplicemente deciso di considerare GT “non canonico”, ignorandone completamente gli eventi.

Negli ultimi anni, però, il franchise ha adottato una filosofia quasi opposta. Toyotarou e altri membri del team creativo hanno infatti spiegato che l’idea attuale è quella di considerare valide tutte le storie di Dragon Ball, viste come possibili continuità parallele capaci di espandere il multiverso narrativo. Una visione sicuramente più aperta rispetto al semplice eliminare ciò che non piace.

Resta però un problema evidente: chi oggi guarda Dragon Ball GT dopo aver visto Dragon Ball Super o Dragon Ball DAIMA si trova davanti a numerose incongruenze. Le regole sulle fusioni Potara, la natura del Super Saiyan, la rappresentazione dell’Inferno, del Paradiso e persino diversi elementi della mitologia delle Sfere del Drago entrano spesso in conflitto con quanto stabilito nelle opere più recenti, rendendo GT un tassello narrativo difficile da collocare all’interno della cronologia moderna.

Nemmeno il manga è riuscito a rivalutare Dragon Ball GT

Uno dei punti di forza del franchise è sempre stato il rapporto tra anime e manga. Dragon Ball, Dragon Ball Z e Dragon Ball Super possono contare su adattamenti cartacei completi che permettono ai fan di vivere le stesse storie attraverso due media differenti.

Con GT, invece, questo non è mai successo. Per oltre quindici anni l’anime è rimasto privo di una vera controparte manga, fino a quando nel 2013 la rivista Saikyo Jump ha iniziato a pubblicare un particolare “animanga”: un fumetto costruito utilizzando direttamente gli screenshot dell’anime, accompagnati dai balloon dei dialoghi.

L’iniziativa è andata avanti per circa dieci anni, arrivando a 73 capitoli, ma il risultato è stato ben lontano dall’essere soddisfacente. La qualità delle immagini, i problemi di risoluzione, l’impaginazione poco curata e una colorazione spesso approssimativa hanno dato vita a un prodotto che molti lettori hanno giudicato pigro e poco ispirato.

Come se non bastasse, l’adattamento ha preso decisioni narrative discutibili. Il fumetto parte infatti direttamente dalla Saga dei Draghi Ombra per poi tornare indietro alla Saga delle Sfere del Drago Nere e a quella di Baby, mentre la Saga di Super 17 viene completamente esclusa.

Una scelta che rende questo adattamento addirittura incompleto e che, invece di migliorare la reputazione dell’anime, ha finito per evidenziarne ulteriormente i limiti.

Dragon Ball GT: una serie ‘troppo’ Goku-centrica

Uno degli aspetti più criticati di Dragon Ball GT riguarda il trattamento riservato al resto del cast. La saga dispone probabilmente del gruppo di combattenti più ampio mai visto fino a quel momento, ma sceglie di concentrare quasi tutta la narrazione su Goku.

Già Dragon Ball Z aveva progressivamente riportato il Saiyan al centro della scena, ma GT sembrava l’occasione perfetta per cambiare direzione. Goku, tornato bambino, avrebbe potuto lasciare maggiore spazio a personaggi come Gohan, Goten, Trunks o persino Uub, che nel finale di Z sembrava destinato a raccoglierne l’eredità.

Accade invece l’esatto contrario. Goku partecipa praticamente a ogni battaglia importante ed è quasi sempre lui a sferrare il colpo decisivo, anche quando la logica narrativa suggerirebbe un altro vincitore. Uub vede il proprio sviluppo interrompersi proprio nel momento in cui potrebbe diventare davvero protagonista, mentre Vegeta rimane addirittura fuori dai giochi per quasi venti episodi.

Non sorprende quindi che negli anni molti fan abbiano scherzato sostenendo che la sigla “GT” significhi in realtà “Goku Time”. Una battuta che riflette bene la sensazione lasciata dall’anime: quella di aver sacrificato un cast ricco e potenzialmente straordinario per raccontare, ancora una volta, quasi esclusivamente la storia del suo protagonista.

Le idee migliori non sono bastate a salvare Dragon Ball GT

Sarebbe ingiusto liquidare Dragon Ball GT come un fallimento totale. La serie ha introdotto intuizioni diventate iconiche, come il design del Super Saiyan 4, la minaccia dei Draghi Ombra e alcune delle battaglie più spettacolari dell’intero franchise. Elementi che ancora oggi vengono ripresi nei videogiochi e celebrati dai fan.

Il problema è che queste trovate non sono riuscite a compensare una struttura narrativa spesso incerta, le numerose contraddizioni con il resto della saga e una gestione discutibile dei personaggi secondari. Con il passare degli anni, e soprattutto dopo l’arrivo delle produzioni più recenti, questi difetti sono diventati ancora più evidenti.

Per questo motivo Dragon Ball GT continua a occupare una posizione particolare nella storia del franchise: un esperimento coraggioso, ricco di idee memorabili, ma incapace di trovare il giusto equilibrio tra innovazione e rispetto dell’eredità lasciata da Akira Toriyama. Ancora oggi resta uno dei capitoli più discussi dell’intera saga, e probabilmente continuerà a esserlo ancora a lungo.

*Fonte del presente articolo: CBR.com

Per oltre trent’anni Yu degli Spettri (in originale Yu Yu Hakusho) è rimasto uno dei battle shonen più amati e influenti di sempre. L’opera di Yoshihiro Togashi ha saputo conquistare il pubblico grazie a un cast di personaggi memorabili, antagonisti iconici e una narrazione capace di alternare azione, umorismo e momenti di grande intensità emotiva.

Eppure, quando i fan ricordano la serie, c’è una saga che viene citata quasi all’unanimità: il Torneo Oscuro. Non è un caso. Esistono anime che diventano leggendari perché mantengono un livello qualitativo elevato dall’inizio alla fine e altri che vengono consacrati grazie a un singolo arco narrativo capace di oscurare tutto il resto. Yu degli Spettri appartiene in parte a entrambe le categorie, ma è difficile negare che la sua reputazione sia stata costruita soprattutto attorno a quella straordinaria sequenza di episodi.

Yusuke Urameshi è ancora oggi un protagonista diverso da quelli che popolano gli shonen moderni, eppure quando si parla della serie raramente il primo pensiero va agli esordi come detective spirituale o agli archi finali. Il ricordo corre sempre al Torneo Oscuro, la saga che ha dato all’anime la sua identità definitiva, il suo peso emotivo e quel senso di grandezza che continua a renderlo un punto di riferimento per il genere.

La saga del detective spirituale getta basi solide, ma la leggenda nasce più tardi

Le prime puntate di Yu degli Spettri possiedono un fascino tutto loro. L’anime si presenta inizialmente come una storia soprannaturale ricca di misteri, spiriti e casi da risolvere, con un tono decisamente diverso da quello dei classici battle shonen. L’aspetto investigativo permette a Yusuke di crescere gradualmente nel suo nuovo ruolo di detective spirituale, mentre le situazioni spesso leggere e le stranezze del mondo degli spiriti regalano alla serie una personalità ben definita fin dai primi episodi. È proprio questa atmosfera a rendere l’inizio dell’opera ancora oggi piacevole da riguardare.

Allo stesso tempo, però, è anche il motivo per cui questa prima parte non viene ricordata come il momento che ha consacrato la serie. La narrazione procede infatti in maniera piuttosto episodica e sperimentale, senza quella continuità capace di creare un coinvolgimento crescente nel pubblico. Gli episodi funzionano, i personaggi conquistano fin da subito e il mondo costruito da Togashi incuriosisce, ma manca ancora quell’intensità che trasforma un buon shonen in un classico del genere. Quando oggi si definisce Yu degli Spettri uno dei migliori anime di combattimento mai realizzati, quasi nessuno pensa a questa fase iniziale. Si pensa piuttosto a ciò che arriverà dopo, quando la serie smetterà di cercare la propria identità per trovare finalmente una formula vincente.

Molti grandi shonen impiegano tempo prima di raggiungere il loro vero potenziale, e Yu degli Spettri non fa eccezione. Le fondamenta costruite dalla saga del detective spirituale sono indispensabili per sviluppare il legame con Yusuke, Kuwabara, Kurama e Hiei, ma da sole non bastano a spiegare perché l’opera sia ancora oggi considerata un punto di riferimento assoluto. La sua leggenda nasce nel momento in cui Togashi decide di abbracciare definitivamente il battle shonen, trasformando quei personaggi già amati in protagonisti di una storia molto più ambiziosa.

Capitolo Nero punta più in alto, ma perde la compattezza del Torneo Oscuro

Se il Torneo Oscuro rappresenta il momento che ha consacrato Yu degli Spettri, Capitolo Nero è spesso indicato come la dimostrazione della sua maturità narrativa. Questa saga abbandona in parte la semplicità della struttura a torneo per affrontare temi decisamente più complessi. Le sfumature morali diventano centrali, il confine tra bene e male si fa meno netto e l’universo della serie si amplia notevolmente. Al centro di tutto c’è Shinobu Sensui, un antagonista carismatico e ricco di sfaccettature che ancora oggi viene ricordato tra i migliori villain del genere.

L’ambizione, però, rappresenta anche il principale limite di questo arco narrativo. A una seconda visione emergono con maggiore evidenza alcuni problemi di ritmo e di costruzione. Le idee sono tante, spesso affascinanti, ma non sempre riescono a trovare una realizzazione all’altezza delle premesse. In più di un’occasione la storia sembra interessata soprattutto a mostrarsi profonda e filosofica, sacrificando quella pulizia narrativa che aveva reso il Torneo Oscuro così efficace sotto ogni punto di vista.

Molti fan sostengono che Yu degli Spettri abbia raggiunto più volte lo stesso livello qualitativo, indicando proprio Capitolo Nero come prova di questa continuità. Eppure il confronto con il Torneo Oscuro rimane inevitabile. Quest’ultimo sapeva perfettamente quale storia raccontare e riusciva a svilupparla senza sbavature, mantenendo costante la tensione dall’inizio alla fine. Capitolo Nero, invece, tenta di spingersi oltre, ma proprio questa ricerca di maggiore profondità rende l’esperienza più irregolare. Restano momenti memorabili, un antagonista eccezionale e alcune delle riflessioni più interessanti dell’intera serie, ma manca quella sensazione di controllo assoluto che aveva trasformato il Torneo Oscuro in un piccolo capolavoro.

La Saga dei Tre Re conferma che il vero apice era già stato raggiunto

Gli archi narrativi conclusivi hanno spesso il compito di definire l’eredità di un’opera. Quando il finale riesce a chiudere il percorso in maniera convincente, contribuisce a rafforzare l’idea che l’intera serie sia stata eccezionale. Al contrario, se perde ritmo o lascia questioni irrisolte, inevitabilmente i fan finiscono per ricordare soprattutto i momenti migliori. È esattamente ciò che accade con Yu degli Spettri. La Saga dei Tre Re appare come il capitolo finale di una storia che aveva già raggiunto il proprio vertice narrativo molto tempo prima.

Sulla carta le premesse erano estremamente promettenti. L’espansione del Mondo dei Demoni, gli equilibri politici tra i Tre Re e il conflitto identitario di Yusuke avrebbero potuto dare vita a uno degli archi più maturi dell’intera serie. Togashi prova infatti ad allargare ulteriormente gli orizzonti dell’opera, mettendo in secondo piano il semplice scontro fisico per concentrarsi su temi come il potere, l’eredità e l’appartenenza. Sono idee affascinanti, che mostrano ancora una volta la volontà dell’autore di non ripetersi.

Il problema non è quindi la qualità delle intuizioni, ma il modo in cui vengono sviluppate. La narrazione procede con una certa fretta, lasciando poco spazio all’approfondimento di situazioni e personaggi che avrebbero meritato maggiore attenzione. Alcuni conflitti vengono introdotti senza trovare una vera conclusione, mentre altri sembrano risolversi troppo rapidamente. La sensazione è quella di assistere a una versione condensata di una saga che avrebbe potuto essere molto più ampia. Proprio questa impressione modifica anche il modo in cui l’intera opera viene ricordata. Un autentico capolavoro del battle shonen riesce generalmente a mantenere un senso di appagamento complessivo, anche quando alcuni archi risultano meno riusciti di altri. Yu degli Spettri, invece, sembra ruotare attorno a un unico, straordinario picco qualitativo. Gli altri archi sono validi, a tratti eccellenti, ma nessuno riesce davvero a ricreare quella combinazione di tensione, equilibrio e coinvolgimento che aveva reso il Torneo Oscuro così speciale.

Il Torneo Oscuro è l’arco che ha costruito la leggenda di Yu degli Spettri

È proprio con il Torneo Oscuro (anche conosciuto come Torneo delle Arti Marziali Nere) che Yu degli Spettri raggiunge la sua forma definitiva. La struttura narrativa è semplice, ma incredibilmente efficace: un torneo di combattimento che, incontro dopo incontro, aumenta la posta in gioco e mette costantemente alla prova il Team Urameshi. Ogni sfida rappresenta un nuovo gradino nella crescita dei protagonisti e ogni avversario contribuisce a rendere il percorso sempre più intenso. La progressione è naturale, il ritmo praticamente perfetto e la tensione non cala mai, qualità che ancora oggi rendono questa saga un modello per moltissimi battle shonen.

Ciò che rende il Torneo Oscuro davvero speciale, però, è il fatto che i combattimenti non siano mai fini a sé stessi. Dietro ogni scontro si nasconde un’evoluzione personale. Hiei, Kurama, Kuwabara e Yusuke vivono momenti decisivi che riflettono le loro paure, il loro orgoglio e la loro crescita, trasformando le battaglie in strumenti di caratterizzazione e non in semplici dimostrazioni di forza. È una delle ragioni principali per cui questa saga continua a essere considerata così moderna: comprende perfettamente che un grande shonen di combattimento non si misura soltanto dalla spettacolarità delle tecniche o dalla potenza dei suoi protagonisti, ma soprattutto dalla capacità di dare un significato emotivo a ogni vittoria e a ogni sconfitta.

A completare il quadro c’è Toguro, uno degli antagonisti più iconici mai apparsi nel genere. La sua presenza dona all’intero arco una gravità che il resto della serie raggiunge solo occasionalmente. Il suo confronto con Yusuke va ben oltre la classica battaglia finale: è uno scontro tra due visioni della forza, del sacrificio e del significato stesso del potere. Accanto a lui brillano anche il ruolo fondamentale di Genkai, il rapporto sempre più solido tra i membri del Team Urameshi e una narrazione che riesce a bilanciare azione, emozioni e sviluppo dei personaggi senza mai perdere compattezza.

È proprio questo insieme di elementi a spiegare perché, ancora oggi, quando si parla di Yu degli Spettri, il pensiero vada immediatamente al Torneo Oscuro. Non perché il resto dell’opera sia trascurabile, tutt’altro. La saga del detective spirituale costruisce solide fondamenta, Capitolo Nero dimostra tutta l’ambizione narrativa di Togashi e la Saga dei Tre Re prova ad ampliare ulteriormente il suo universo. Tuttavia, nessuno di questi archi riesce a raggiungere lo stesso livello di equilibrio, intensità e precisione narrativa. Il Torneo Oscuro rimane il momento in cui ogni componente della serie funziona alla perfezione e trova la propria massima espressione.

È lì che Yu degli Spettri smette di essere semplicemente un ottimo battle shonen e diventa una leggenda, un’opera che ancora oggi continua a influenzare il genere e a essere presa come punto di riferimento da fan e autori di tutto il mondo.

*Fonte del presente articolo: Comicbook.com